Les voitures sont un moyen de transport pour le corps, les films en sont un pour l’imagination. Les films ont en outre montré à maintes reprises les possibilités de l’homme en matière de voitures, d’abord pour les construire et les perfectionner, puis pour les pousser à des prouesses inimaginables en termes de vitesse, de puissance et de résistance. Les films nous ont appris à apprécier et même à fétichiser leur design et leur puissance, en tant qu’accessoire ou élément d’intrigue, le public a appris à associer des véhicules spécifiques à des objectifs tangibles et métaphoriques à atteindre, représentant la liberté ou l’opportunité au même titre que la beauté, la richesse ou le statut.
Par conséquent, choisir les meilleurs films sur les voitures, voire la quintessence de ces films, est une tâche difficile. Ce ne sont pas seulement des films individuels, mais des franchises entières qui tournent autour des voitures et des camions que pilotent les personnages, dans des courses, des courses-poursuites, des traques et des évasions, comme des prix à gagner et des lieux où se déroulent des drames. Les voitures conçues pour une scène ou une séquence sont devenues la raison unique de regarder ce film, des années, voire des décennies plus tard. Les progrès de la technologie – et des conducteurs de plus en plus intrépides, ont rendu les premiers pionniers obsolètes avec des cascades qui font vibrer le pouls et éclipsent les attentes. Néanmoins, les choix énumérés ci-dessous mettent en lumière plus d’un siècle de voitures à l’écran, certaines pour celles qui apparaissent à l’écran et d’autres pour ce que les gens font lorsqu’ils s’assoient sur le siège du conducteur, mais toutes célèbrent le mariage du cinéma et des véhicules à moteur.
Grand Prix (1966)
John Frankenheimer occupe deux places sur cette liste, à commencer par cette histoire d’opéra qui a pour toile de fond les courses de Formule 1 et qui présente certaines des séquences de course les plus intimes et les plus uniques que le public ait vues jusqu’alors. Partant du principe d’une distribution internationale de stars, à la manière des films de guerre ou d’autres drames de l’époque, Frankenheimer a réuni un ensemble de vedettes américaines (James Garner), françaises (Yves Montand), italiennes (Antonio Sabato) et japonaises (Toshiro Mifune) pour peupler de manière adéquate une vitrine de pilotes de classe mondiale venus du monde entier. Ce qui est remarquable dans ce film aujourd’hui, c’est à quel point le mélodrame fonctionne bien par rapport aux images de course.
Garner est à la hauteur de la tâche de fournir aux spectateurs un pilote à encourager qui n’est pas lui-même sûr de ce qu’il pense des risques qu’il prend, et cela confère à l’ensemble du film un ton palpitant mais résolument plus contemplatif. En même temps, Frankenheimer a dépeint les équipes de course de manière si convaincante et réfléchie qu’il a utilisé un accès sans précédent pour créer une expérience qui a mis le public derrière le volant, non seulement physiquement, mais aussi émotionnellement.
Bullitt (1968)
En incarnant le détective Frank Bullitt de San Francisco, Steve McQueen a non seulement confirmé son statut légendaire de passionné d’automobile, mais il a également établi le modèle des conducteurs cool et compétents pour les générations à venir. La juxtaposition par le réalisateur Peter Yates de dialogues dépouillés et d’intrigues complexes permet au public de deviner que Bullitt tente de protéger un informateur de la mafia, tandis que McQueen enchaîne les scènes, imperturbable, alors que les complications (et les cadavres) s’accumulent, le tout au son de la musique jazzy de Lalo Schifrin.
Mais la séquence de poursuite centrale du film, impliquant McQueen lui-même au volant d’une Ford Mustang et son mystérieux ennemi dans une Dodge Charger, a littéralement révolutionné les poursuites automobiles dans toute l’industrie. Non seulement le pilotage de McQueen donne à la séquence une vraisemblance fascinante, mais la chorégraphie et l’intensité de la séquence, qui implique des vitesses de plus de 180 km/h, fixent une barre que le reste de l’industrie s’efforcera de suivre au cours des décennies à venir.
L’or se barre (The Italian Job, 1969)
A ne pas confondre avec le remake de 2003, qui a trouvé un moyen inventif de contourner le trafic autour de Los Angeles, l’original de Peter Collinson utilise la même voiture (elle-même reboostée plus de 30 ans plus tard) pour mettre en scène un casse palpitant à l’apogée de l’ère des « capers », lorsque toutes les stars du monde voulaient commander leur propre équipe pour un travail qui leur rapportait un gros salaire après avoir pris de gros risques.
Ce qui est peut-être le plus surprenant dans ce remake, que beaucoup connaîtront sans doute mieux, c’est la façon dont il emprunte fortement à l’original, non seulement en utilisant des Mini Coopers mais aussi en créant un itinéraire d’évasion qui conduit les voleurs à travers d’immenses tunnels. Mais propulsé par un humour anglais ironique et une partition classique et jazzy de Quincy Jones, le film s’inscrit aussi bien dans les annales de l’histoire du cinéma automobile qu’une Mini dans la plus petite des places de parking.
Duel (1971)
Premier long métrage de Steven Spielberg, cette histoire d’un chauffeur (Dennis Weaver) poursuivi sans relâche par un camion-citerne à travers le désert de Mojave ressemble parfois à un cours d’entraînement pour un futur virtuose maîtrisant les outils de son art. Mais il y a de bonnes raisons pour qu’Universal Pictures ait étendu ce qui devait être un téléfilm à un long métrage : Spielberg saisit de manière experte le mystère et la terreur de cette force inarrêtable et inconnue qui s’abat sur le conducteur infortuné, qui n’a certainement pas fait assez de choses dans sa propre voiture pour justifier une réponse aussi obsessionnelle et mortelle.
En réinventant constamment les façons de filmer chaque rencontre pour maximiser le drame et maintenir l’intérêt de l’expérience, Spielberg a transformé la nouvelle de Richard Matheson en un test d’endurance et en un point de référence époustouflant pour les cinéastes débutants.
Macadam à deux voies (Two-Lane Blacktop, 1971)
Le fait que ce film et Vanishing Point soient sortis la même année a été une aubaine pour les amateurs de mécanique et les cinéphiles du monde entier, même si aucun des deux films n’a fait grande impression à l’époque au box-office. Les deux films sont restés en marge du calendrier des sorties, avant de recevoir bien plus tard les éloges qu’ils méritaient. Avec les musiciens James Taylor et Dennis Wilson (ce dernier des Beach Boys) dans les rôles respectifs de Driver et Mechanic, le film de Hellman suit les deux passionnés d’automobile alors qu’ils s’adonnent à leur style de vie de vagabonds à travers le pays tout en réparant leur Chevrolet 150 de 1955, en misant occasionnellement de l’argent sur des courses, en jockeyant avec GTO (le grand Warren Oates) et en réfléchissant à une existence qui ne signifie pas grand-chose en dehors du quart de mille de piste entre la ligne de départ et la ligne d’arrivée.
Taylor et Wilson sont des sphinx fascinants sur lesquels les spectateurs peuvent projeter leurs pensées et leurs sentiments, car le cycle répété de leur mode de vie éphémère et compétitif rappelle à quel point il est possible d’arriver vite à une destination qui n’est nulle part en particulier.
Point Limite Zéro (1971)
Même si le film de Richard C. Sarafian (1971) n’était « que » la source d’inspiration de la voiture dont Zoe Bell chevauche le capot dans Death Proof, il mériterait de figurer dans notre liste. Mais aux côtés de Two-Lane Blacktop et de The Driver, le film de Richard C. Sarafian fait briller le mythe du conducteur zen avec l’histoire d’un ex-flic mécontent qui livre une Dodge Challenger blanche de 1970 à travers le pays alors qu’une armée croissante de flics le suit à la trace.
Kowalski, interprété par Barry Newman, trace sa route du Colorado à la Californie, au rythme d’une émission de radio de Super Soul (Cleavon Little) qui crée l’ambiance et inspire la réflexion, à la fois pour le public et pour Kowalski. Aussi pur que n’importe lequel de ces autres films, même sur une bande-son légèrement plus pop, Point Limite Zéro a gagné honnêtement son statut de film culte, combinant énergie rock & roll propulsive et réflexion existentielle dans un équilibre parfait.
Larry le dingue, Marie la garce (1974)
Il est étonnant de constater à quel point les cascadeurs prenaient des risques dans les années 1970, dans des films qui semblaient consacrer plus d’argent à la destruction qu’au scénario. L’adaptation par John Hough en 1974 du roman de 1963 « The Chase » contient plus d’action dans sa bande-annonce que certains des films de cette liste n’en contiennent pendant toute leur durée. Passant des motos aux voitures musclées, une autre Dodge Charger dans la veine de Vanishing Point, dotée d’un moteur V-8 lui permettant d’échapper à la police, Peter Fonda, star d’Easy Rider, joue la moitié du duo éponyme, qui fait équipe avec Mary de Susan George après avoir extorqué 150 000 dollars au gérant d’un supermarché dans le but de financer ses rêves de course automobile en NASCAR.
Si beaucoup de ces films mettent en scène la destruction généralisée de véhicules, peu d’entre eux présentent autant d’accidents évités de justesse que celui-ci, qui donne l’impression que les pilotes et les cinéastes qui les ont suivis ont simplement fermé les yeux, fait la course et espéré que tout irait pour le mieux.
Cours après Moi Shérif (Smokey and the Bandit, 1977)
Quentin Tarantino s’est plus que vaguement inspiré de la relation entre Burt Reynolds et le cascadeur devenu cinéaste Hal Needham pour créer la dynamique centrale Rick Dalton-Cliff Booth dans Il était une fois… à Hollywood, mais il n’est jamais arrivé à ce stade de leur carrière : Reynolds, champion du box-office des années 1970, joue un trafiquant d’alcool qui détourne l’attention de son partenaire chauffeur de camion alors qu’ils tentent de transporter une cargaison de Coors d’Atlanta à Texarkana. Le bandit de Reynolds, souriant, joyeux et brisant le quatrième mur, est le héros le plus emblématique de la galerie de malfrats de ce genre jamais créé, en particulier face à Sally Field en mariée fugitive adorablement sexy, captivée par son chauffeur.
Quant au Smokey de Jackie Gleason, il fournit un antagoniste exaspéré et glorieux, non seulement pour s’opposer au charmeur de Reynolds, mais aussi pour offrir une fascinante étude des contraires, puisque sa voiture de police endure des abus infatigables tandis que la Trans Am de Bandit se sort d’un scénario risqué après l’autre.
The Driver (1978)
Il n’est pas surprenant que le scénariste et réalisateur Walter Hill ait envisagé de confier à Steve McQueen le rôle principal de son deuxième film, qui raconte l’histoire d’un conducteur de fuite stoïque qui déjoue non seulement les autorités, mais aussi ses complices qui le doublent. Mais même si McQueen l’a jugé trop semblable à son travail précédent, Ryan O’Neal le remplace remarquablement dans cet incroyable prédécesseur de Drive de Nicolas Winding Refn, que ce dernier ne connaissait que vaguement lorsqu’il a monté sa propre histoire de crime à grande vitesse, plus de 30 ans plus tard. Le jeu du chat et de la souris entre O’Neal, qui incarne le personnage-titre sans nom, et le détective donne au film une fantastique charge dramatique, presque aussi intense que les séquences de conduite elles-mêmes, qui sont délicieusement rudes en termes d’échappées étroites et de collisions malheureuses, évoquant un sens du réalisme impitoyable mais exaltant.
Faisant écho à certains éléments du méditatif Two-Lane Blacktop de Monte Hellman, avec une bonne dose de poésie samouraï, The Driver reste un joyau souvent négligé dans l’histoire des films de course de voitures et de poursuites en voiture.
Les Blues Brothers (1980)
Après le chaos automobile qui a mis fin à National Lampoon’s Animal House, le réalisateur John Landis a retrouvé la star John Belushi pour une « adaptation » du sketch musical récurrent du Saturday Night Live mettant en scène Belushi et Dan Aykroyd, envoyant le duo dans un périple à travers le pays pour réunir leur ancien groupe et racheter leurs fautes passées. Jake et Elwood conduisent une voiture de police déglinguée et déclassée, et ils sont poursuivis par plusieurs douzaines de voitures de patrouille qui sont toutes endommagées ou brisées par la suite.
En fait, en ce qui concerne les dommages causés aux véhicules, peu de films antérieurs ou postérieurs comptent autant de collisions. Même si toutes les cascades de voitures ne sont pas « possibles », l’affection du film pour la création de scénarios comiques à couper le souffle impliquant des automobiles reste pratiquement inégalée.
L’Équipée du Cannonball (1981)
À une époque où l’on se remettait des excès artistiques des années 1970, Burt Reynolds a joué dans cette comédie maximaliste qui raconte l’histoire d’un ambulancier aventureux et de son coéquipier un peu foufou qui participent à une version fictive et étoilée d’une véritable course de voitures hors-la-loi à travers tout le pays. Avec un casting de stars comprenant Roger Moore, Farrah Fawcett, Dean Martin, Sammy Davis Jr, Jackie Chan et bien d’autres encore, le film se concentre autant sur la comédie que sur les séquences d’action. Le réalisateur de Smokey et le Bandit, Hal Needham, retrouve sa star et son ami de longue date Reynolds pour ce festin d’explosions et de coups de théâtre à couper le souffle.
Mad Max 2 : Le Défi (1981)
Étant donné qu’il serait indulgent de mettre trois des quatre films de Mad Max sur une même liste, j’ai opté pour deux seulement : les deux meilleurs, pour des raisons qui se recoupent mais qui sont en grande partie différentes. Alors que le premier Mad Max manie les courses-poursuites en voiture avec virtuosité et intensité, il y a un charme rustique dans la façon dont le réalisateur George Miller monte l’action dans le décor aride de l’Australie, dans sa suite, il apporte une variété intéressante non seulement de véhicules, mais aussi de personnages, améliorant ainsi une franchise dont il n’était manifestement pas satisfait après le premier volet.
Cette fois-ci, il introduit un semi-remorque qui sert à remplacer le V-8 Special suralimenté de Max. Il sert également de métaphore pour le casting plus éclectique de personnages mémorables de l’histoire, et de symbole de l’humanité naissante de Max qui réapparaît après les pertes profondes qu’il a subies dans Mad Max. Avec des cascades de voitures plus grandes et plus explosives qu’auparavant (mais pas aussi grandes que dans Fury Road), le film est un régal émouvant pour les amateurs de véhicules de toutes sortes et de cascades époustouflantes.
Jours de Tonnerre (Days of Thunder, 1990)
Il est indéniable que ce film est une copie conforme du Top Gun de Tom Cruise transposé dans le monde de la NASCAR. Mais même si Tony Scott transforme le scénario de Cruise et du légendaire Robert Towne en morceaux imaginaires, Cruise est, comme on pouvait s’y attendre, envoûtant dans le rôle de Cole Trickle, le pilote néophyte qui attire l’attention du chef de l’équipe des stands, Harry Hogge (Robert Duvall), grâce à une combinaison de détermination, de machisme et, bien sûr, d’habileté juste suffisante pour être prometteuse. Scott capte l’énergie à l’intérieur et à l’extérieur de la voiture avec un style typique, transformant chaque acte en une compétition, une opportunité ou un défi pour prouver la valeur de Cole, à tous les autres, sinon à lui-même.
Ronin (1998)
Après avoir dirigé Grand Prix plus de 30 ans auparavant, le réalisateur John Frankenheimer est revenu avec éclat à l’univers des courses-poursuites à grande vitesse dans Ronin, armé cette fois d’un scénario réécrit en partie par David Mamet, qui donne à l’action un style laconique mais élégant. Aussi complexe que soit la politique du film, l’escalade tranquille de son intrigue fonctionne comme une horloge, envoyant son ensemble de stars (y compris, notamment, un rôle pour Sean Bean dans lequel il ne meurt pas) dans des décors qui semblent presque intellectuels même lorsqu’ils fonctionnent de manière purement viscérale.
Frankenheimer s’est appuyé sur la même approche que pour Grand Prix, en scénarisant les séquences à l’avance pour maximiser le drame, puis en sciant les voitures de production en deux pour que les acteurs, dont Robert De Niro, Jean Reno et Natasha McElhone, puissent se déplacer dans des véhicules roulant à plus de 160 km/h. Arrivé juste avant l’ère Fast and Furious de l’action assistée par ordinateur, Ronin bourdonne d’une énergie palpable et reste un film à sensations fortes, qu’il y ait ou non des voitures à l’écran.
Fast and Furious: Tokyo Drift (2006)
La franchise Fast and Furious jouit d’un honneur douteux parmi les films de voitures, car elle a inauguré l’ère des images de synthèse pour les cascades de véhicules, d’abord avec des prises de vue qui se tordent à travers des pièces de moteur, puis en concevant des séquences qui ne peuvent être réalisées qu’à l’intérieur d’un ordinateur. Tokyo Drift utilise certaines de ces mêmes astuces, notamment en tournant des scènes dans une ville où il est notoirement difficile d’obtenir des autorisations de tournage, mais le réalisateur Justin Lin a établi un lien indéniable et inséparable avec la franchise, ce volet étant censé en être un spinoff.
Au lieu de cela, le film n’est pas seulement un nouveau départ pour la série alors en perte de vitesse, mais aussi un hommage sincère à un type de conduite unique et aux véhicules eux-mêmes capables de réaliser ces cascades. Ce qui ressemble superficiellement à une simple histoire de poisson hors de l’eau devient une célébration de la culture automobile, filtrée à travers l’esthétique enrobée du Japon du milieu des années 2000, qui oppose l’ingéniosité asiatique à la puissance automobile américaine classique, et qui trouve le bon équilibre lorsque ses pilotes atteignent la ligne d’arrivée.
Boulevard de la Mort (Death Proof, 2007)
Empruntant beaucoup, comme il le fait toujours, pour créer quelque chose de merveilleusement unique, Quentin Tarantino a rendu hommage aux films d’exploitation de sa jeunesse avec ce thriller sur un cascadeur tueur (Kurt Russell) dont l’arme de prédilection non conventionnelle est sa voiture. Divisant le film en deux parties, Tarantino présente Mike et ses victimes, montre comment il commet ses meurtres en voiture, puis lui offre un glorieux châtiment par l’intermédiaire d’un trio de jeunes femmes aussi habiles que lui au volant, et qui risquent encore moins leur vie sur le capot.
Zoe Bell, la doublure de Tarantino pour Uma Thurman dans Kill Bill, joue « elle-même », enrôlant sa copine Kim (Tracie Thoms) pour s’adonner à un fantasme improbable qui devient rapidement mortel lorsque Mike décide que leur voiture pleine de jeunes femmes sera sa prochaine victime. Hommage formidable à Vanishing Point, aux cascadeurs et cascadeuses eux-mêmes, et détournement ironique et sanglant des histoires de demoiselles en détresse, Death Proof présente certaines des conduites les plus excitantes et les plus plaisantes de l’histoire du cinéma.
Speed Racer (2008)
Si les films Fast and Furious ont testé les possibilités d’amélioration de l’action automobile grâce aux images de synthèse, Speed Racer des Wachowskis les a absolument maximisées. Cette adaptation de la série animée emblématique du même nom met en évidence des capacités que les voitures n’ont pas encore, et n’auront peut-être jamais, alors que Speed (Emile Hirsch) tente de remporter une course impossible et merveilleusement surdimensionnée après l’autre à bord d’un véhicule qui surpasse littéralement ses concurrents, navigue dans des espaces bien trop étroits pour une voiture et tourne généralement dans des directions que la physique ne peut pas définir.
Il y a dans ce film un niveau transcendant de joie et de créativité qu’aucun autre film de cette liste ne peut égaler, il ne se préoccupe pas de ce qui est possible, il ne s’intéresse qu’à ce qui semble et se sent excitant et tout à fait unique. Même si ce film semble idiot (il l’est) ou irréaliste (il l’est certainement) par rapport à des films comme Bullitt, et encore moins Fury Road, il occupe une place essentielle dans l’histoire des films de voitures, en explorant les limites exaltantes du genre et les techniques utilisées pour lui donner vie.
Mad Max Fury Road (2015)
30 ans se sont écoulés entre ce volet de la série Mad Max et son prédécesseur, Beyond Thunderdome, et les talents de conteur et de meneur de jeu du réalisateur George Miller n’ont fait que s’approfondir et se développer au cours de cette période. Dans un paysage post-apocalyptique similaire, mais pas tout à fait le même, Max Rockatansky (Tom Hardy) échappe à un destin pire que la mort, celui d’être une poche de sang pour les War Boys d’Immortan Joe, pour aider à guider Furiosa (Charlize Theron), le lieutenant de Joe qui a fait défection, à travers un désert de plus en plus impitoyable, rempli de dangers naturels et artificiels, et surtout, de dangers causés par les femmes.
L’histoire de Miller met en avant des conflits émotionnels pertinents et palpables qui ne reviennent pas sur les horreurs vécues par Max dans les films précédents mais s’aventurent dans de nouvelles directions intrigantes, tandis que le cinéaste exerce toute sa créativité pour générer des cascades de véhicules, augmentées mais rarement créées avec des images de synthèse, qui sont exaltantes et tangibles. Présenté en noir et blanc ou en couleur, avec une simple partition ou des dialogues épars, le film complète une réflexion sur la franchise qu’il lance tout en rappelant au public que, même à une époque où les outils cinématographiques rendent tout possible, c’est parfois l’imagination et ce qui ressemble à beaucoup de travail qui rendent les histoires passionnantes et profondes.
Baby Driver (2017)
En tant qu’élève dévoué du spectacle d’action, Edgar Wright transforme un film de braquage en une glorieuse mixtape cinématographique, à la fois de références cinématographiques classiques et de chansons absolument rock. La cinématographie animée et inventive de Wright s’étend à la chorégraphie des séquences de course, qui présentent d’incroyables cascades, mais aussi une façon étonnante de garder l’action fraîche et amusante, même en rendant hommage à de nombreux prédécesseurs emblématiques.
La collection quasi ininterrompue de chansons de Wright est parfaitement orchestrée pour les scènes d’action et l’escalade émotionnelle des tentatives de Baby pour s’extirper d’un monde criminel de plus en plus dangereux, jusqu’à une apothéose qui rend hommage à l’héritage de l’action en voiture tout en démantelant une partie de cette coolitude pour un final plus humaniste.
Le Mans 66 (2019)
L’histoire de James Mangold sur la concurrence commerciale, technologique et idéologique entre Ford et le géant de la course automobile Ferrari suit les traces de plusieurs autres histoires sur la course emblématique du Mans, notamment Le Mans, avec Steve McQueen, qui présente des séquences filmées lors de la course réelle. Mais ce film ne se limite pas à cet affrontement emblématique lors de la course de 1966 en France, il traite des deux hommes qui ont rendu cette bataille possible, le designer Carroll Shelby et le pilote Ken Miles, et des nombreux mois de sang, de sueur et de labeur qui ont été nécessaires pour créer un véhicule digne de la compétition.
Shelby et Miles sont des sommités de la vie réelle qui méritent d’être canonisées, et leurs exploits ont marqué l’histoire. Mais le film de Mangold ne se contente pas d’admirer leur relation acariâtre. Il dépeint le travail qu’ils ont accompli d’une manière que les fans d’automobile peuvent admirer, en montrant comment leur connaissance de chaque centimètre du véhicule a fini par l’emporter. C’est un degré de détail et de soin qu’ils ont apporté à leur travail, que Mangold respectait suffisamment pour le souligner, et que le film met magnifiquement en valeur.
